EXPOSICION DE CIERRE DEL SEMINARIO DE ESTETICA

EMERGENCIA DE DISEÑO TECNOCIENTÍFICO

Esta es una exposición pensada en el surgimiento del diseño basado en al Tecnociencia y se tomó como base, el trabajo realizado por el artista Ken Rinaldo.

Esta exposición me ayudo a encontrar no sólo las dinámicas de la Tecnociencias, sino también la relación de este tema tan nteresante con lo que es estética y qcon la relación de NUevos Territorios. Para las personas que estén interesadas en conocer aun más sobre este increible artista, este es el link: http://kenrinaldo.com/

VITO ACCONCI

OBRA:
THREE ADAPTATION STUDIES: HAND AND MOUTH
ARTISTA:
VITO ACCONCI

1. OBSERVACIÓN DETERNIDA DE LA OBRA

La obra se encuentra en una sala de exposición totalmente cuadrada, paredes pintadas de negro, cada uno de las paredes de la sala tiene un telón blanco. En el techo se encuentran cuatro videobim, cada uno de estos proyecta una película de 8mm, reflejadas en cada una de los telones blancos.
Cada película muestra a un hombre a medio cuerpo, sin camisa, embadurnándose con las manos el cuerpo y la cara con diferentes colores. En la primera pared a la entrada a mano izquierda, se unta de un color rosado y en dirección a las manecillas del reloj, las respectivas tres paredes siguientes son: café, blanco y morado.
En el centro de la sala se encuentra un sillón de cuero negro y redondo, que invita a que la persona se siente a mirar la obra.

2. DESCRIPCIÓN DE LA OBRA

2.1 GÉNERO:
Arte Conceptual: El arte conceptual, también conocido como idea art, es un movimiento artístico en el que las ideas dentro de una obra son un elemento más importante que el objeto o el sentido por el que la obra se creó. La idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales, y en muchos casos la idea es la obra en sí misma, quedando la resolución final de la obra como mero soporte.
El artista Sol LeWitt likzae describió así el arte conceptual:
En el arte conceptual la idea o el concepto es la parte más importante del trabajo. Cuando un artista utiliza una forma conceptual de arte, significa que todo el planteamiento y las decisiones están hechos de antemano; la ejecución es un asunto superficial. La idea se convierte en una máquina que hace el arte.
El arte conceptual como movimiento emergió a la mitad de los años sesenta, en parte como una reacción en contra del formalismo que había sido articulado por el influyente crítico Clement Greenberg. Sin embargo, desde las décadas de 1910 y 1920 el trabajo del artista francés Marcel Duchamp serviría como precursor, con sus trabajos llamados ready-made daría a los artistas conceptuales las primeras ideas de obras basadas en conceptos y realizadas con objetos de uso común.
El arte conceptual emplea habitualmente materiales como la fotografía, mapas y vídeos. En ocasiones se reduce a un conjunto de instrucciones documentando cómo crear una obra, pero sin llegar a crearla realmente; la idea tras el arte es más importante que el artefacto en sí. Tomado de: http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_conceptual

2.2 TEMA:
Three Adaptation Studies: Hand And Mouth
En estos primeros ejercicios de cine, las exposiciones Acconci plantean una vulnerabilidad casi infantil que es a la vez cómico y extraño. En venda al día, los ojos vendados, como pelotas de goma son arrojados en repetidas ocasiones a lo de fuera de la pantalla. En Jabón y Ojos, que trata de mantener los ojos abiertos, resultando en una cara de payaso tragicómico. En las manos y la boca, que en repetidas ocasiones las fuerzas de su puño en la boca hasta que se convierte en un chiste.
Tomado de:
http://64.233.179.104/translate_c?hl=es&sl=en&u=http://www.eai.org/eai/title.htm%3Fid%3D897&prev=/search%3Fq%3DTHREE%2BADAPTATION%2BSTUDIES:%2BHAND%2BAND%2BMOUTH%2B%26hl%3Des

2.3 ASPECTOS DEL TEMA QUE CAPTA EL AUTOR:

El autor deja claro la relación entre Manos y Boca, por medio de un plano medio, es decir, por la visibilidad del hombre desde la cabeza hasta el pecho, en donde, las manos se relacionan estrechamente con su cuerpo y con la actividad de pintarse de varios colores. Sin embargo, el tema de la boca; no es muy clara dentro de la obra en sí.
Valor del Tema dentro de la Obra:
En este caso, el tema de Manos y Boca tiene un valor muy importante dentro de la obra se podría decir que el tema es la misma obra en sí. Ya que en todo momento de principio a fin de la obra como tal, se muestra y se refuerza estos dos elementos de mano y boca, interactuando, transformándose y complementándose.

2.4 TECNICA:
Instalación de Video. En una sala cuadrada de aproximadamente 25 Mt 2, la sala es completamente negra y cuenta con cuatro videobim, que proyectan las imágenes en telones blancos, cada uno de estos colgados en los cuatro lados de la sala respectivamente.
Aspectos:
El artista implementa en cada una de las proyecciones un color predominante, estos son: café, blanco, morado y rosado. El fondo de cada una de las imágenes es blanco.
La iluminación dentro del video al parecer es producida por una lámpara y el hombre se encuentra aparentemente recostado sobre una pared.
El “objeto” de la obra viene a hacer el hombre en sí mismo. Pero en este caso, prima la idea sobre el objeto, que es la relación entre manos y boca.

3. ESTILO Y ARTISTA

Como ya se mencionó anteriormente la obra hace parte del movimiento de arte conceptual. La obra hace parte de una exposición que recoge más de cien obras de 45 artistas experimentales de los años sesenta y setenta que gravitaron en su mayoría alrededor de la revista de arte Interfunktionen, editada en Colonia entre 1968 y 1975, concebida para protestar contra la política conservadora y cerrada de la Documenta de 1968 -la feria de arte contemporáneo más importante del mundo que se lleva a cabo en Kassel, Alemania cada cinco años.

3.1 Localización:
Se expone en el Museo de Arte del Banco de la República hasta el 2 de junio.

3.2 Artista:
Biografía de VITO ACCONCI

Pf. Tomado de http://www.designboom.com/eng/interview/acconci/acc_1.jpg

Nueva York, Estados Unidos, 1940 Maestro norteamericano, Vito Acconci es una de las claves del arte de la segunda mitad del siglo XX y un pionero de la performance, video, instalaciones y en la exploración del espacio arquitectónico. Su obra ha traspasado las fronteras del arte, para llegar mas allá de la galería o el museo, hasta los espacios públicos. Primero poeta, comenzó a producir arte conceptual a finales de los años 60.
En 1969 Vito Acconci realizó sus primeras obras visuales, combinando fotografías con textos. En Grasp (1969), reconocía las capacidades de archivo de la Fotografía – “la cámara es comprensión, la foto es almacén”- pero ubica en primer plano el acto de performance en sí mismo, de tomar fotografías, de hacerse físicamente con una imagen. Este proyecto anunciaba el dialogo entre la cámara y el cuerpo, que se iba a convertir en un aspecto esencial del trabajo de Acconci de entonces en adelante, particularmente en las series de películas y videos de Super-8, realizados entre 1969 y 1974 en los que contemplaba obsesivamente su propio cuerpo.

Éstas performances, filmadas de manera privada, que también están documentadas en unos paneles de fotografía y texto, incluyen una intensa manipulación corporal.En Conversions II: Insistence, Adaptation, Groundwork, Display (1971), la segunda de una trilogía de películas en las que se plantean interrogantes acerca de la rigidez de los géneros (masculino- femenino), el artista intenta feminizar su cuerpo de varón escondiendo sus genitales entre las piernas.
En el video y en el panel Open Book (1975), el cuerpo se convierte de nuevo en una performance íntima: La boca de Acconci, abierta de forma antinatural, muestra un primer plano extremo mientras él, paradójicamente, intenta hablar al espectador. La incapacidad para articular palabras y la caída del lenguaje, que da lugar a las repetidas réplicas y quejas de Acconci al espectador, dejan inútil la boca para comunicar. Esta información fue tomada de:http://www.picassomio.es/vito-acconci.html

4.RELACIÓN DE LA OBRA CON LA ÉPOCA HISTÓRICA Y COMO SE REFLEJA ESTA EN EL CUADRO

La relación de la obra con su época esta evocada principalmente a la fuerza de las ideas como eje estructurador de la obra en sí, y aunque no hay elementos directos que relacionen la obra con un período de tiempo determinado en la historia, al analizar su fondo conceptual se puede entender un poco el período en el que se introdujo este tipo de arte o movimiento, finales de los sesenta y todo lo que implicaba el dejar de dar por sentado verdades absolutas.

5.COMENTARIO

A mi modo de ver, esta obra en sí busca una “flexibilización” en cuanto qué es arte. La obra no busca superar los géneros artísticos tradicionales, sino que en cambio, mediante una “puesta en escena” sencilla y con pocos elementos; logra expresar una idea y un concepto, que en definitiva es lo que más le importaba al autor, más allá de que fuera éste mismo el “objeto” de la obra como tal.
La obra puede caer en lo “extraño e infantil” quizás por la forma de mostrarlo, el embadurnarse de una manera parsimoniosa, pero con un “orden” o rigor autoimpuestos, puede reflejar un conjunto caricaturesco.
Desde mi punto de vista, hay un manejo pensado por el artista del tiempo-objeto-idea y esto se puede intuir, en los tiempos definidos que el artista utiliza para pintarse de un color y luego pasar al otro. De hecho, la separación de los cuatro telones, uno en cada pared, da una sensación de etapas en el tiempo.
Creo que la obra pone en marcha hasta donde acaba lo “artísticamente correcto”, en cuanto, el trasfondo no es la creatividad sino poner una “nueva forma de realidad frente al público”. De hecho, creo que esto tiene algo de “política en los artefactos” ó mejor aún “política en las ideas”.

Componente de Estética

La Ciudad Abierta en Términos Deleuzeanos

Investigando acerca de Ciudad Abierta encontré en el artículo de: Huellas de ciudad abierta, por Andreea Mihalache** Investigadora visitante en School of Arquitecture and Planning, The Catholic University of America, Washington DC, EE.UU. Una muy buena perspectica de abordar este tema, a continuación se muestra el abstract de sobre el tema:

Ciudad Abierta: es el lugar en que profesores y estudiantes viven, trabajan, se conocen, se encuentran y construyen juntos, invistiendo con sentido el nombre del lugar en el que se reúnen: ciudad, porque investigan y edifican la metáfora de un asentamiento ideal; abierta, porque posee “un destino indeterminado y por su compromiso de acogida” (Pérez de Arce y Pérez Oyarzun, 2003). En términos deleuzeanos, nos encontramos en un espacio liso y no homogéneo, que solicita ser leído de cerca, desde una pequeña distancia, a sabiendas miope. Aquí los puntos de referencia son descubiertos de cerca en cerca, los objetos piden ser tocados, sentidos, oídos. El texto –que solicita una visión global y una perspectiva óptica– se esconde en textura que llega a ser atributo de la arquitectura. El texto entrena al ojo, la vista, las distancias, hasta cuando la textura pide contacto, apropiación, palpación. Las estrategias globales y la visión de conjunto son sustituidas por intervenciones locales, puntuales, de huellas dejadas en el lugar. Entre éstas, algunas se estabilizan (como el cementerio y la capilla al aire libre) y otras se metamorfosean cambiando su aspecto. Nuevos objetos fagocitan a los antiguos, otras obras quedan por terminar, los materiales se reciclan y viven; de esta forma, hay varias vidas y todas ellas en un proceso vivo, dinámico y activo. Ciudad Abierta no es un museo al aire libre con maquetas a escala 1:1, sino la señal siempre en movimiento de la vida misma.

Una de las cosas que más me llamó la atención fue el concepto de espacio liso dentro de Ciudad Abierta, en cuanto el Espacio Liso es un espacio no codificado previamente, donde lo que importa es el trayecto y no los puntos que lo definen. Cualquier movimiento va de un punto al otro, pero el espacio liso es el espacio del intermedio, de lo que está “entre”.

El Espacio Liso es un espacio abierto, y el espacio estriado, un espacio cerrado. En el espacio liso se distribuye algo, cualquier cosa. Se encuentra lugar para uno mismo, para una cosa.
Este concepto se puede encontrar con facilidad en el capítulo de Lo liso y lo estriado, del libro Mil Mesetas, el cual tuve la oportunidad de leer cuando estaba haciendo mi vertical de Ciudad Y región.

En este punto, puedo concluir que la ciudad abierta es la concepción de un espacio intermedio; propablemente delimitado por dos polos o puntos, que configuren ese espacio de Ciudad Abierta, que permite la interacción de un suceso: algún tipo de cultura, espacialidad, formas de reunirse y concentrarse.

Y Qué Tienen que ver Gilles Deleuze y Felix Guattari con la Arquitectura?

Si bien tiene mucho que ver, en cuanto estos dos personajes dejan en claro en los capítulos:¿Qué es la filosofía? y ¿Qué es un concepto? del libro Mil Mesetas, el tema de la fabricación de conceptos. Asunto que hoy en día es tema de desvelo para más de un aquitecto, diseñador industrial ó para dejarlo más amplio, hasta para un chef.

Tal parece, que la creación de una arquitectura y un urbanismo mediante un concepto, juega un papel decisivo en la trascendencia de las obras que se diseñen, se gestionen, se construyan ó que quizás, sólo queden plasmadas en un papel.

Por otra parte, Ciudad Abierta, es una nueva mirada frente al tema de la concepción y fundación de ciudades y no sólo frente a estos temás, sino hasta en el hecho del estilo de vida de las personas (mucho menos dicotámico) y con mucha más relación con su entorno, lo que hace y lo que desea hacer.

Sin lugar a dudas, mi investigación a cerca de Ciudad Abierta, me remonta a lo básico, la Conceptualización del Pensamiento.

PF.Toyo Ito, 1989, Casa para una chica nómada de Tokyo


Tensiones e Interacciones en San Victorino

Las siguientes fotos son parte de una exploración de la "modernidad líquida", aquí están:

Primera Entrega:

La experiencia de recorrer este sector comercial de la ciudad fue unica. Sobre todo por la heterogeneidad de sus fachadas, de sus usos, actividades y personas. Muchas de las cosas u objetos que se encuentran en los negocios de la zona, parecen que se mezclan, y pelean apor un espacio propio cargado de identidad y personalidad. El trabajo para esta primera aproximación fotográfica, era buscar objetos que tuvieran una profunda interacción entre sí, y puedo decir que fue muy sencillo encontrarlos, ya que la interactividad entre objetos, cosas, personas y animáles se percibía en cualquier esquina de San Victorino.

Segunda Entrega:

En esta segunda entrega, mi tema principal o mi enfoque fue la "Fauna" de San Victorino, en cuanto, los animáles de este sector tienen una estética única que refleja el entorno o medio en el que se desenvuelven, viven e interactuan. Me llamó la atención de manera especial, las palomas; ya que estas si se puede decir, son el animál más común y porque no, característico de la zona. Las palomas acompañan a los visitantes y forman parte especial dentro del imaginario colectivo de este sector, ya que es poco común, no encontrar a estas aves alrededor de una plaza o reposando en los balcones de las casas.

Tercera Entrega:

En esta tercera entrega, mi acercamiento a los animáles de SanVictorino fue mayor y mucho más "Abierta"; en cuanto el tema de la fauna reune no sólo a los animáles vivos de la zona, sino a todas aquellas representaciones de animáles que acompañan y le dan vida a San Victorino. De allí, que puedo dividir en tres grupos esta exposición de fotos:

• La primera: Ani máles vivos. Como perros, palomas y caballos.
• La segunda: Logo de animáles.Ya sea en carpas de carros, carpas y demás.
• La tercera: Frazada de animáles.
• La cuarta: Muñecos de animáles. Aquí puedo encontrar tantoa a muñecos para niños, como a porcelanas de animáles, que por lo general forman parte de los artículos para vender en las vitrinas.

Lecturas de la Clase:

"Walkscapes"

CIUDAD LUCIDA CONTRA CIUDAD BURGUESA 108-114

Los Situacionistas sustituyen la ciudad inconsciente de los surrealistas por una ciudad lúdica y espontánea.
*Los surrealistas mantienen su búsqueda de las partes oscuras de la ciudad y construyen unas reglas de juego.
Por definición de Jugar: Saltarse deliberadamente las reglas e inventar unas reglas propias:
Liberar la actividad creativa de las construcciones socioculturales.
Proyectar acciones estéticas dirigidas contra el “control social”.
Los situacionistas tienen una teoría de: Uso del tiempo en el marco social. Ej: reemplazar el Tiempo de trabajo gracias a la automatización en Tiempo libre.
El tiempo libre estaría dedicado al Tiempo de Juego, es decir un Tiempo Lúdico.
Se plantea escapar a las reglas del sistema y autoconstruir nuevos espacios de libertad, por medio de: Una revolución basada en el deseo: Buscar en lo cotidiano los deseos de la gente y sustituirlo por los deseos de la cultura dominante.
Eslogan Situacionista: “Habitar es estar en casa en todas partes”
Construcción de situaciones: manera de hacer surgir en la ciudad nuevos comportamientos y experimentar en la realidad urbana una sociedad más libre.
Planteamientos de los Situacionistas:
Colocaron la ciudad al desnudo.
La ciudad como un espacio en el cual vivir colectivamente.
La ciudad para experimentar comportamientos alternativos.
Espacio donde es posible “perder el tiempo útil” y transformarlo en tiempo lúdico.

Se concluye que: la propaganda burguesa vendía como felicidad: “Construcción de viviendas dotadas de confort y organización de la movilidad”
Los situacionistas proponen pasar del concepto de circulación como distribución de la ciudad en distintas zonas, a la circulación como placer y como aventura.

Entrega Ciudad Burguesa Contra Ciudad Lucida

INSTRUCCIONES:

Tiene que ir desde la Cl.45 con Avenida Caracas, hasta el almacén Éxito de la Cl. 53 con Avenida Caracas.
Este es un recorrido que las personas por comodidad suelen hacer utilizando Transmilenio para no tener que recorrer la Avenida Caracas. En este caso, Usted caminará el recorrido, observando y disfrutando el trayecto a pie.
“Los situacionistas proponen pasar del concepto de circulación como distribución de la ciudad en distintas zonas, a la circulación como placer y como aventura.”

Usted por comodidad iría de un punto A , a un punto B por Transmilenio.

Siga las anteriores instrucciones y disfrutará su recorrido como una aventura.

Si desea ver las fotos de este recorrido, dar click aquí:

http://maggie-pei2008.blogspot.com/2008/04/chequen-mi-slide-show.html

Investigaciones

Olafur Eliasson: Proyecto de clima


El Proyecto de clima o el Sol es la obra más famosa del artista danés Olafur Eliasson. La obra es una instalación conceptual, muestra del arte más contemporáneo de s.XXI. Su exposición comenzó en octubre del 2003.
La instalación consiste en un semicírculo luminoso compuesto por 200 lámparas situado al fondo de la sala de máquinas de la Tate Modern de Londres (foto). El techo de la gran sala está recubierto por un espejo, en el que se refleja la otra mitad de la lámpara gigante, creando así una forma circular como un Sol. También la instalación tiene efectos de niebla, creando así una atmósfera única dentro del museo.

La cálida y amarilla luz del Sol de Eliasson produce en los visitantes de la sala de máquinas una sensación de sosiego, tranquilidad y paz. Es así, que la gente suele sentarse o acostarse en el suelo mientras se ve reflejado en el techo. Esto es precisamente lo que busca el autor, crear un clima artificial que pueda llegar y hacer sentir a los espectadores.
El Proyecto de clima estuvo expuesto el museo de arte moderno más importante del Reino Unido: La Tate Modern. Allí estuvo desde octubre de 2003 hasta marzo de 2004. En la actualidad, Olafur Eliasson sigue exponiendo por todo el mundo. No hace mucho, creó un jardín artificial (fotos) dentro del Palacio de Cristal de Madrid (foto). (Tomado de http://www.espacioblog.com/rothko/post/2006/04/26/proyecto-clima-olafur-eliasson)


Analizando la Obra:

Me parece muy interesante esta nueva propuesta de arte, sin embargo me hubiera parecido aún más interesante, si la obra del sol se hubiera espuesto en el espacio público de alguna ciudad, más que en un múseo; que de por sí tiene connotaciones de ser un espacio "cerrado" y este sol se convertría así, en un elemento exclusivo de quienes visitaron el museo.

De todos modos, creo que una obra que va más allá del hecho: espectador-obra; sino que interactua con las personas desde las sensaciones y ambientes mismos que ésta puede crear.

Toda una experiencia para los sentidos!

A mi modo de ver, esta obra puede pertencer a una modernidad líquida, en cuanto no está pensada y creada bajo los principios de la racionalidad.

Comentarios de Otras Personas:

Estos comentarios son tomados de ARQtipo para Arte, si desea vistitar su página web, este es el link: http://arqtipo.com/?p=401

Aquí están sus comentarios, muy interesantes en cuanto que se relacionan con la arquitectura:

"En su obra participan la naturaleza y lo artificial algo que, junto a su interés por la percepción del espectador, le lleva a investigar sobre temas como el espacio, el tiempo, el clima, la creación de formas, la percepción de los colores, la calidad de la luz o la geometría."

"La obra de Olafur se relaciona con la arquitectura de forma frecuente y de hecho, de las 40 personas que trabajan en su estudio, 12 de ellos son arquitectos."

"Lo cierto es que la relación entre la arquitectura y la obra de Olafur es indudable e incluso encontramos vínculos con edificios de grandes arquitectos."

Más Información:

Web Oficial de Olafur Eliasson: http://www.olafureliasson.net/